The Metropolitan Museum of Art presents over 5,000 years of art from around the world for everyone to experience and enjoy.
The Museum lives in two iconic sites in New York City - The Met Fifth Avenue and The Met Cloisters.
Millions of people also take part in The Met experience online.
Since its founding in 1870, The Met has always aspired to be more than a treasury of rare and beautiful objects.
Every day, art comes alive in the Museum's galleries and through its exhibitions and events, revealing new ideas and unexpected connections across time and across cultures.
Guido Reni | The Immaculate Conception, 1627
Guido Reni (Bologna, 1575-1642), during his lifetime the most celebrated living painter in Italy, was famous for the elegance of his compositions and the beauty and grace of his heads, earning him the epithet "Divine".
This altarpiece, with its otherworldly space shaped by clouds and putti in a high-keyed palette, was commissioned in about 1627 by the Spanish ambassador in Rome for the infanta of Spain.
It later hung in the cathedral of Seville, where it deeply influenced Spanish painters, especially Bartolomé Estebán Murillo, whose workshop produced many iterations of this subject.
The Immaculate Conception became a symbol of the universality of the Catholic Church and was used for the conversion of populations across Spain’s global empire. | Source: © Metropolitan Museum of Art
Guido Reni (Italian, 1575-1642) | The Immaculate Conception, 1627 | Metropolitan Museum of Art
Guido Reni (Bologna, 1575-1642), durante la sua vita il pittore vivente più celebrato in Italia, era famoso per l'eleganza delle sue composizioni e la bellezza e la grazia delle sue teste, che gli fecero guadagnare l'epiteto "Divino".
Questa pala d'altare, con il suo spazio ultraterreno modellato da nuvole e putti in una tavolozza dai toni alti, fu commissionata intorno al 1627 dall'ambasciatore spagnolo a Roma per l'infanta di Spagna.
In seguito fu appesa nella cattedrale di Siviglia, dove influenzò profondamente i pittori spagnoli, in particolare Bartolomé Estebán Murillo, la cui bottega produsse molte iterazioni di questo soggetto.
L'Immacolata Concezione divenne un simbolo dell'universalità della Chiesa cattolica e fu utilizzata per la conversione delle popolazioni in tutto l'impero globale della Spagna. | Fonte: © Metropolitan Museum of Art
Marco d'Oggiono | Girl with Cherries, 1491-95
Painted by Marco d'Oggiono, a close associate of Leonardo da Vinci’s in Milan, this picture combines elements of portraiture and allegory.
The richly dressed female wearing an inscrutable smile is crowned with ivy and holds a bowl of cherries.
The meaning is enigmatic: it may allude to marriage (ivy symbolized marital fidelity) but also suggests a connection with sophisticated literary circles.
D'Oggiono built a successful career, first by working in Leonardo’s style and making copies after his paintings, later breaking away and crafting his own artistic identity. | Source: © Metropolitan Museum of Art
Marco d'Oggiono (Italian, 1467-1524) | Girl with Cherries, 1491-95 | Metropolitan Museum of Art
Dipinto da Marco d'Oggiono, stretto collaboratore di Leonardo da Vinci a Milano, questo quadro combina elementi di ritrattistica ed allegoria.
La donna riccamente vestita che indossa un sorriso imperscrutabile è incoronata di edera e tiene in mano una ciotola di ciliegie.
Il significato è enigmatico: potrebbe alludere al matrimonio (l’edera simboleggiava la fedeltà coniugale), ma suggerisce anche un legame con circoli letterari sofisticati.
D'Oggiono si è costruito una carriera di successo, prima lavorando nello stile di Leonardo e realizzando copie dei suoi dipinti, poi staccandosi e creando la propria identità artistica. | Fonte: © Metropolitan Museum of Art
Buddha, probably Amitabha | China, early 7th century
The position of the Buddha's arms indicates that the hands were once held in a gesture of meditation and suggests that this sculpture represents Amitabha, a celestial Buddha who presides over his Western Paradise.
Devotion to Amitabha, a major component of Chinese Buddhist practice since the sixth century, promotes the goal of rebirth in Amitabha’s Pure Land, where conditions are conducive to achieving spiritual understanding.
The sculpture was made using the dry-lacquer technique, in which a core (often made of wood) is covered with clay and then wrapped in layers of cloth that have been saturated with lacquer - a tree resin that hardens when exposed to oxygen.
As many as seven or eight additional layers of lacquer might then be applied.
In the eighth century, this technique spread from China to Japan, where it was used widely in the production of Buddhist sculptures. | Source: © Metropolitan Museum of Art
Buddha, probably Amitabha | Tang dynasty (618-907) | China, early 7th century | Metropolitan Museum of Art
La posizione delle braccia del Buddha indica che le mani erano un tempo tenute in un gesto di meditazione e suggerisce che questa scultura rappresenti Amitabha, un Buddha celeste che presiede il suo Paradiso Occidentale.
La devozione ad Amitabha, una componente importante della pratica buddista cinese sin dal sesto secolo, promuove l'obiettivo della rinascita nella Terra Pura di Amitabha, dove le condizioni sono favorevoli al raggiungimento della comprensione spirituale.
La scultura è stata realizzata utilizzando la tecnica della lacca a secco, in cui un nucleo (spesso fatto di legno) è ricoperto di argilla e poi avvolto in strati di stoffa che sono stati saturati di lacca, una resina di albero che si indurisce quando esposta all'ossigeno.
Potrebbero quindi essere applicati fino a sette o otto strati aggiuntivi di lacca.
Nell'ottavo secolo, questa tecnica si diffuse dalla Cina al Giappone, dove fu ampiamente utilizzata nella produzione di sculture buddiste. | Fonte: © Metropolitan Museum of Art
Camille Pissarro | Two Young peasant women, 1891-1892
By virtue of their size, placement, and quiet dignity, these youthful laborers dominate the landscape setting—an open field near Pissarro’s house at Eragny.
Sympathetic to anarchist ideals, the artist wanted to preserve the values of agrarian society that were being threatened by the rapid industrialization of France.
He began this picture in summer 1891 and completed it in mid-January 1892, a month before the opening of a major exhibition of his work organized by his dealer Joseph Durand-Ruel.
Many of the fifty paintings were sold from the show, but Pissarro kept this canvas and gave it to his wife. | Source: © Metropolitan Museum of Art
Camille Pissarro (French, 1830-1903) | Two Young peasant women, 1891-1892 | Metropolitan Museum of Art
In virtù delle loro dimensioni, della loro collocazione e della loro quieta dignità, questi giovani lavoratori dominano l'ambientazione paesaggistica, un campo aperto vicino alla casa di Pissarro a Eragny.
Simpatico con gli ideali anarchici, l'artista voleva preservare i valori della società agraria che erano minacciati dalla rapida industrializzazione della Francia.
Iniziò questo quadro nell'estate del 1891 e lo completò a metà gennaio del 1892, un mese prima dell'inaugurazione di una grande mostra delle sue opere organizzata dal suo mercante Joseph Durand-Ruel.
Molti dei cinquanta dipinti furono venduti in quella mostra, ma Pissarro tenne questa tela e la diede alla moglie. | Fonte: © Metropolitan Museum of Art
Edgar Degas | The Dance Class, 1874
This work and its variant in the Musée d'Orsay, Paris, represent the most ambitious paintings Degas devoted to the theme of the dance.
Some twenty-four women, ballerinas and their mothers, wait while a dancer executes an "attitude" for her examination. Jules Perrot, a famous ballet master, conducts the class.
The imaginary scene is set in a rehearsal room in the old Paris Opéra, which had recently burned to the ground.
On the wall beside the mirror, a poster for Rossini’s Guillaume Tell pays tribute to the singer Jean-Baptiste Faure, who commissioned the picture and lent it to the 1876 Impressionist exhibition. | Source: © Metropolitan Museum of Art
Edgar Degas (French, 1834-1917) | The Dance Class, 1874 | Metropolitan Museum of Art
Quest'opera e la sua variante al Musée d'Orsay di Parigi rappresentano i dipinti più ambiziosi che Degas abbia dedicato al tema della danza.
Circa ventiquattro donne, ballerine e le loro madri, aspettano che una ballerina esegua un "atteggiamento" per il suo esame.
Jules Perrot, un famoso maestro di balletto, dirige la lezione.
La scena immaginaria è ambientata in una sala prove della vecchia Opéra di Parigi, recentemente bruciata fino alle fondamenta.
Sulla parete accanto allo specchio, un manifesto per il Guillaume Tell di Rossini rende omaggio al cantante Jean-Baptiste Faure, che commissionò il dipinto e lo prestò alla mostra impressionista del 1876. | Fonte: © Metropolitan Museum of Art
Il Metropolitan Museum of Art presenta oltre 5.000 anni di arte da tutto il mondo, affinché tutti possano sperimentarla ed apprezzarla.
Il museo si trova in due siti iconici di New York City: The Met Fifth Avenue e The Met Cloisters.
Milioni di persone prendono parte anche all'esperienza The Met online.
Sin dalla sua fondazione nel 1870, il Met ha sempre aspirato a essere più di un tesoro di oggetti rari e belli.
Ogni giorno, l'arte prende vita nelle gallerie del museo e attraverso le sue mostre ed eventi, rivelando nuove idee e connessioni inaspettate attraverso il tempo e le culture.| Fonte: © Metropolitan Museum of Art
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